THE DREAM MACHINE: "Fort Perch Rock", Kitchen Sink Dramas & das Echo des Überlebens
Ein Gespräch mit Frontmann Zak McDonnell über das neue Album "Fort Perch Rock", regionale Identität und die Sehnsucht nach dem Aufblühen von Subkulturen.
DAS ARCHIV REGIONALER IDENTITÄT
Europäische Härte trifft auf den Wirral – ein Soundtrack für eine Subkultur, die sich weigert zu sterben.
Wir leben in einer Ära der geografischen Unschärfe und Nivellierung. Während digitale Räume unsere einst reiche und vielfältige Kultur zu einer einzigen, polierten „globalen“ Ästhetik flachwalzen, werden die markanten, rauen Kanten regionaler Identität abgeschliffen. Die lokale Pub-Szene wird durch Franchise-Ketten ersetzt; der regionale Akzent wird gegen einen transatlantischen, polierten Monoton getauscht, dem es an Schärfe und Persönlichkeit fehlt.
Auf dem Wirral klingt dieser Widerstand nach The Dream Machine. Der Name wurde ursprünglich wegen seiner Assoziationen zum Untergrund der 1960er Jahre gewählt, doch der wahre Funke sprang über, als Zaks Bruder aus London zurückkehrte und die Mechanik von Brion Gysins Stroboskop-Erfindung erklärte. Entwickelt, um veränderte Zustände hervorzurufen, agiert die Band mit derselben hypnotischen Intensität – dem Glauben daran, dass Kunst das Bewusstsein neu verdrahten kann. Ihr Werk ist nicht bloß Musik; es ist die Bewahrung nordenglischer Textur – eine Weigerung, den „Kitchen Sink“-Realismus der britischen Arbeiterklasse für eine Playlist glattbügeln zu lassen.
Über all diesen musikalischen, filmischen und literarischen Anspielungen thront die beeindruckende Struktur von Fort Perch Rock – ein historischer, zum Meer gewandter Verteidigungsstützpunkt, wo der Mersey in die Irische See fließt. Dies ist das Denkmal der Band für die verlorenen Arkaden, das geschmolzene Eis und die Seeluft von New Brighton. Ich unterhielt mich mit Zak McDonnell über regionale Identität und die Notwendigkeit von „europäischer Härte“ im Schatten des Wirral.
DIE ANTI-FAHRSTUHL-PHILOSOPHIE
Da ist eine inhärente Gewalt in der Art und Weise, wie Zak „fröhliche“ Musik betrachtet. Für ihn ist sie nicht nur eine Vorliebe; sie ist ein Versagen an der Ehrlichkeit.
„Fröhliche Musik ist für Zahnarzt-Wartezimmer und Fahrstühle“, sagt er. Es ist eine Erklärung, die alles verrät, was man über den kreativen Motor der Wirral-Band The Dream Machine wissen muss. Während die moderne Industrie dem glänzenden Furnier industriell gefertigter Freude hinterherjagt, baut Zak ein Archiv nach einem anderen Prinzip auf: Musik als Werkzeug für Zufriedenheit und Überleben. Nicht Eskapismus. Nicht Unterhaltung. Überleben.
„Ich schreibe einfach jeden Tag, um mich zufrieden zu fühlen und um zu überleben“, erklärt Zak mit einer Sachlichkeit, die das übliche Rock’n’Roll -Gehabe durchbricht. „Das Thema ist zweitrangig.“
Auf die Frage, ob die Band ein sorgfältig konstruiertes Kunstprojekt oder nur eine Gang von Freunden ist, die Lärm machen, verweigert Zak die Binärität: „Ich glaube nicht, dass sich das gegenseitig ausschließt. Wir sind Freunde, die über einer Garage Lärm machen, aber wir nehmen es verdammt ernst. Das muss man einfach.“ Die lässige Spontaneität jammernder Kumpels kollidiert mit der Strenge von Handwerkern. Überleben kann man nicht fälschen.
EUROPÄISCHE HÄRTE & DER MOSRITE-PULS
Das neue Material entsprang dem, was Zak einen „Ramones-besessenen Trip nach Berlin“ nennt. Es war keine Pilgerreise eines Touristen; es ging darum, eine Frequenz aufzusaugen, die in englischen Clubs längst erloschen ist.
„Ein Teil der Psych- und Punkmusik, die wir in Berlin gehört haben, war um Welten besser als alles, was man in einer Bar in England hört“, reflektiert er. „Einfach in irgendeiner x-beliebigen Bar. Dort haben sie es noch, auf eine sehr authentische Weise.“ Der Kontrast schmerzt, weil er wahr ist. England, einst die primäre Quelle von Subkultur – die Heimat von Bands wie Joy Division, The Damned oder The Clash – steckt derzeit in einer Identitätskrise. „England mangelt es mehr denn je an Identität und Subkulturen“, beobachtet Zak. „Das passiert, wenn man Konformität mehr belohnt als Originalität.“
Während dieses Berlin-Trips spürte Zak eine Mosrite-Gitarre auf – die Surf-Punk-Waffe, die von den Ramones und Television bevorzugt wurde. Das war kein Fetischismus; es war eine haptische Verbindung zu einer klanglichen Abstammung. Der Biss dieser Gitarre verankert die neuen Tracks und schlägt die Brücke zwischen dem New Yorker Dreck der 1970er Jahre und der spezifischen, grauen Geografie des Wirral.
DIE ROHHEIT DES SONGWRITINGS
Zaks Songwriting-Methode gleicht der eines Archivars – er sammelt Fragmente einer vernachlässigten Welt und setzt sie zu etwas zusammen, das Resonanz erzeugt. Man nehme „Flowers on a Razorwire“, ein Track, der auf einer Graphic Novel basiert, die er in einem Antiquariat gefunden hat.
„Ich mache eigentlich aus allem ein Lied“, gibt er zu. „Einiges davon mag real sein, vielleicht nichts davon.“ Der Song stellt die zarte Unschuld eines „süßen Unterrocks“ der brutalen Kälte von „Stacheldraht“ gegenüber – Bilder, die an die Fähigkeit von Songwritern erinnern, Narrative aus gefundenen Objekten zu bauen. Doch wo andere Ironie einsetzen würden, fühlt sich Zaks Ansatz direkter an. Aufrichtig. Roh.
Ihr kommendes Album, Fort Perch Rock, aufgenommen und selbst produziert in Studios auf dem Wirral und in Liverpool, macht sich diese Fragmentierung zu eigen. Es ist ein Album, das aktives Zuhören verlangt und sich verweigert, leicht konsumierbar zu sein. „Es gibt definitiv viel mehr Chaos“, bemerkt Zak. „Es könnte etwas länger dauern, bis man reinkommt... aber einige unserer besten Sachen stecken da drin, wenn man tief genug gräbt.“
DER GEIST DER BEACH BOYS
Während das Album durch seine Ruhelosigkeit definiert wird, schwenkt es häufig in überraschend melodisches Terrain um – ein Kontrast, den Zak seinem eigenen internen Filter zuschreibt.
„Für mich klingt es sommerlicher, nach Beach Boys“, sagt Zak über die zarteren Wendungen, selbst wenn sie in einer winterlichen Geisteshaltung geboren wurden. „Ich kann einfach nicht anders, als traurig zu klingen.“ In einer Musiklandschaft, die davon besessen ist, Coolness zu projizieren, ist diese Art von ernstem, vulnerablem Songwriting der radikalste Akt von allen. „Es war nie unsere Priorität, ‚cool‘ zu sein“, stellt er schlicht fest.
„Wenn man nicht man selbst sein kann, wer kann man dann sein?“
— Zak McDonnell
DAS KITCHEN SINK DRAMA
Fragt man Zak, woher die ästhetische Inspiration der Band kommt, deutet er auf die langen Schatten des britischen Realismus.
„Wir leben unser ganzes Leben in einem Kitchen Sink Drama der 1960er Jahre“, sagt er. Ein treffender Vergleich. The Dream Machine handelt mit denselben körnigen Texturen, derselben Weigerung, bei Enttäuschungen wegzusehen. Der Sound der Band fühlt sich an wie eine klangliche Erweiterung von Filmen wie A Taste of Honey (1961) oder Saturday Night and Sunday Morning (1960), jedoch mit der Härte einiger verborgener Juwelen des Berliner Underground-Punks. Erzählungen, die eine raue, zerzauste und realistische Schönheit im Banalen des Alltags finden.
Derzeit liegt Leonard Cohens Debüt auf Zaks Plattenspieler. „Es klingt auf Vinyl einfach perfekt.“ Die Wahl ist aufschlussreich. Cohen verstand, dass Tiefe der Persönlichkeit und damit der Musik daraus entsteht, die Dunkelheit zu umarmen, statt vor ihr wegzulaufen.
The Dream Machine werden nicht in Fahrstühlen laufen. Sie werden nicht in Zahnarztpraxen gestreamt werden. Getreu ihrer Natur wird die Band nach einem wilden Ritt durch britische Grassroots-Clubs am 27. März ihre bisher größte Headline-Show in der Liverpooler O2 Academy vor 1.200 Zuschauern spielen. Und genau das ist der Punkt. Sie sind nicht hier, um dich zu beruhigen. Sie sind hier, um zu überleben – und vielleicht, um uns ihre Musik zu schenken, damit wir dasselbe tun können.
DER SOUND: UNVERZEIHLICH & UNGEFILTERT
Wenn man die Nadel auf Fort Perch Rock setzt, begegnet einem kein glattpolierter Indie-Pop. Es ist eine klangliche Kollision, die wirkt, als hätten sich die Geister von Jim Morrison und der rotzige Stolz des jungen Mick Jagger in einem verrauchten Keller manifestiert.
Besonders präsent ist diese alles durchdringende Orgel, die immer wieder an den Anfang der Tracks tritt – ein direkter Nachhall der The Doors. Sie erzeugt eine hypnotische, fast sakrale Intensität, die den Hörer sofort in einen Zustand veränderter Wahrnehmung versetzt. Es ist dieser spezifische „Punky Brit“-Vibe: laut und absolut ohne Entschuldigung für seine Existenz. The Dream Machine kanalisiert diese Energie jedoch mit einer fast chirurgischen Präzision; es ist die rohe Wildheit der Stooges gepaart mit der schamanischen Aura der Doors. Ein Sound, der nicht um Erlaubnis fragt, sondern sich den Raum einfach nimmt.
Hier ins Album reinhören:
“Fort Perch Rock” ist heute erschienen. The Dream Machine tourt Ende Februar zusammen mit “Kula Shaker” durch Deutschland.
28.02. Grünspan - Hamburg
02.03. Heimathafen Neukölln - Berlin
03.03. Technikum - München
— Shelley D. Schwartz